domingo, 29 de marzo de 2015

Música de mi tierra y Hasta la raíz... Natalia Lafourcade

"Respiro hondo, respiro profundo. canto para limpiar en mi alma"


Hemos sido testigos de la evolución melódica e instrumental de Natalia Lafourcade, que desde sus inicios ya mostraba una inquietud musical y una sed de aprender nuevas formas de crear armonías. Sin duda el Método Macarsi, empleado por su madre como enseñanza musical, funciona y Natalia es la prueba plena de ello. Nacida en Coatepec, Veracruz, ya desde pequeña ubicó su pasión por la música e ingresó a la Academia Fermata, podemos apreciar su continuidad, en las múltiples colaboraciones con artistas de variados géneros, y su discografía que comprende cinco álbumes y un EP.


Hasta la raiz, su más reciente material discográfico, llega después de una larga espera de seis años sin grabar composiciones propias, ya que Mujer Divina, es un tributo al gran Agustín Lara, en el que se rodeó de personalidades interesantes que sin duda, han contribuido en riqueza musical para ella, tales como Jorge Drexler, Gilberto Gil, Meme de Café Tacuva, León Larregui, Vicentico entre alguno otros que, no debería dejar afuera del listado, pero se haría largo este párrafo.

El progreso de Natalia en cuestiones de producción musical, manejo de instrumentación, interpretación y feeling vocal, es audible e imposible de negar. Se puede apreciar un gusto intenso en decorar los temas, de confeccionar los arreglos con asertividad y pasión. No hay ninguna prisa por exigirle temáticas distintas, el amor y el desamor es una etapa disfrutable y enriquecedora, al final cada artista tiene sus momentos y su proceso. Hasta la raíz nos lleva por un intenso viaje progresivo en su depresión, ya que comienza con trazos de enamoramiento, siguiendo con decepciones amorosas y al final nos entrega el sabor de la esperanza y la asimilación de un nuevo comienzo. El desarrollo musical nos guía por caminos diversos, baladas, folk, rock pop, incluso por zonas oscuras y de brillo armónico. recomiendo escucharlo con audífonos para no perder detalles sutiles.


Hasta la raíz. Suena a una especie de Baguala o Vidala, que nos transporta a una zona folk del disco. La estructura melódica tiene una sencillez estética que se introduce en nuestro cerebro inmediatamente, sin darnos cuenta. Fue una composición en la que Leonel García tuvo participación activa.

Mi lugar favorito. Un soft punk "muy honesto". Es enriquecido con programaciones y secuencias exquisitas, y un bajo con trazos tendientes al infinito.

Antes de huir. Una balada estilo rock 'n' roll que transporta a un baile de graduación. Con una base pianística y un loop percusional que invitan a bailar "de cachetito".

Ya no te puedo querer. Un rock pop muy bien logrado. El juego de cuerdas otorga elegancia y una atmósfera de tensión a este tema, la intro de guitarra que acompaña hasta el final de la canción, tiene acordes interesantes.

Para que sufrir. Un agradable bossa a la Chico Buarque. Seduce a tumbarse en la costa y cerrar los ojos. Juan Manuel Torreblanca participa en la composición y Cachorro López en el arreglo.

Nunca es suficiente. Por un momento pensé que escucharía ¿Por qué te vas? de José Luis Perales en voz de Jeanette. Un rock pop con matices de los 70's. Daniela Azpiazú de la agrupación María Daniela y su sonido lasser colaboró en esta composición.

Palomas blancas. Letrísticamente, es el tema con mayor fuerza y profundidad del disco, una poesía acompañada con un ambicioso juego de cuerdas.

Te quiero ver. Una vuelta a los orígenes de Natalia. Una canción totalmente pop que nos recuerda sus primeras producciones, con el guiño del crecimiento en producción. Es la canción con mayor alegría rítmica del álbum.

Vámonos negrito. Una mezcla entre Son y Danzón al puro estilo de Agustín Lara. Una melancolía por México se respira en esta canción, entre juego de cuerdas y vientos, nos evocan al puerto veracruzano.

Lo que construimos. De esas canciones que, por sus acordes, te pone tan de buen humor que incluso te hacen bailar y tararear. Me encantaría escucharla acompañada con Kevin Johansen o Meme de Café Tacuva. A pesar de la tristeza inmersa en la letra, la estructura armónica nos ofrece un dejo de esperanza. "Eras una apuesta de largo plazo".

Estoy Lista. Una balada rock emocional que me hubiera encantado escuchar con matices de blues. Una auto - afirmación de superación, que lleva poco a poco al solo de guitarra que suena un tanto Beatle

No más llorar. Esta canción es un perfecto broche de oro. En mi opinión es la más avanzada composición y el arreglo mejor logrado. Impregnada de vibraciones positivas. El final de la canción me remonta a Damien Rice en alguna coda de sus canciones. 

Sin entrar a más detalles, parece que Natalia se ha recuperado de una ruptura amorosa que imprime en la producción musical. Confieso que espero con ansiedad escuchar el concierto de este disco, ya que Lafourcade posee un dominio escénico y una profunda pasión interpretativa que contagia. Me deja con un grato sabor de boca y con una muy alta expectativa en su futuro. El maridaje para este álbum es un Torito de Nanche.



miércoles, 25 de marzo de 2015

Música de nocturnidades flamenco - afrocubanas... Concha Buika

"No me escondo, simplemente ya no atiendo a lo que no me alimenta"

Desde que irrumpió en la escena musical, su imagen de fortaleza femenina se ha convertido en influencia definitiva para un medio artístico que exige pasión y compromiso, y para un público ávido de personajes aspiracionales y talentosos.

Concha Buika nació en Palma de Mallorca, con un pasado africano en Guinea Ecuatorial. La comunidad gitana le abrió sus puertas, dando como resultado el fortalecimiento de su sensibilidad artística, agudizada por los elementos flamencos en combinación con sus orígenes. Porta su color de piel con el mismo orgullo con el que pregona sus canciones. Con un Premio Grammy bajo el brazo por su disco El último trago en el que rinde homenaje a Chavela Vargas y a Bebo Valdés. Sus canciones Por el amor de amar y Se me hizo fácilfueron banda sonora de la película La piel que habito de Pedro Almodóvar. Podría hablarse largo y tendido de esta figura musical, sin embargo profundizaremos en su sexta producción discográfica La noche más larga.

Lanzado en junio de 2013 distribuido por la compañía disquera Warner Music. Cincuenta y seis minutos con cuarenta segundos, divididos en doce piezas, dos de ellos en idioma anglosajón y uno en lengua francesa. Cinco composiciones personales y siete versiones de canciones entrañables. Un común denominador de su obra musical, es la riqueza instrumental que extiende las canciones dotándolas de un jazz afroamericano, enriquecido totalmente por la sutil aspereza de profundidad flamenca que imprime Concha Buika, que en momentos me doy el lujo de abstraer como la Nina Simone hispanohablante. Sus músicos han entendido a la perfección la fórmula armónica deseada, Ivan "Melón" Lewis como director musical y al piano, acompañado de Ramón Porrina en las percusiones. Bajo la batuta del productor Eli Wolf, quién ya tiene un Premio Grammy en 2013. La noche más larga es pues, una continuación al gran trabajo de producción y al flamenco de fuego que Buika lleva a todo escenario.

Sueño con ella. El disco abre a toma con un piano que poco a poco avanza en notas lentas hasta que es alcanzado por el cajón como ferrocarril al que nos subiremos en esta aventura. Ya había sido grabada con anterioridad para el disco En mi piel, sin embargo está versión nos regala frescura y una mayor instrumentación.

Siboney. Del cubano Ernesto Lecuona, es una canción emblemática y versionada por infinidad de músicos, desde Plácido Domingo hasta Nana Mouskouri. Las percusiones dan la impresión de elevar la velocidad de la canción, sin embargo el piano nos estabiliza con la tranquilidad en las notas, sin quitarnos la intensión de bailarla sin pareja y por el gusto de mover el cuerpo.

Ne me quitte pas. Legendaria canción de Jaques Brel. De igual manera, las percusiones nos obsequian otra dimensión a la canción, combinada a la voz que le cambia totalmente el rostro del tema. El detalle flamenco, es cortesía de las palmas que adornan por si fuera poco. Es sólo un fragmento de la canción, ya que hicieron falta algunos versos, pero fueron suficientes para hacernos vibrar con su elocuencia interpretativa.

Yo vengo a ofrecer mi corazón. Canción de postura revolucionaria ante la adversidad que Fito Páez compuso. Compleja versión que presenta una mezcla de percusiones entre andinas y un toque andaluz. La interpretación vocal es acompañada por un recurso coral.

La nave del olvido. Del argentino Dino Ramos, que hiciera famosa José José, sin embargo, la versión de este disco está inspirada en la interpretación de Bambino, cantaor español que transformó el tema a un punto más gitano.

La noche más larga. Canción compuesta por Buika. Nos introduce en un merecido descanso en medio de la vorágine rítmica del disco. Un tema de esperanza por los mejores tiempos, que nos enseña a que los sufrimientos que parecen inacabables, siempre tienen un amanecer.

Don't explain. Cuenta la leyenda, que Billie Holliday compuso esta canción una noche que su esposo Jimmy Monroe llegó a dormir con labial en el cuello. Quizás es el tema con mayor exposición de flamenco en su estructura, con una base en la mente de jazz.

No lo sé. Composición de Buika, embellecida por el guitarrista de jazz nacido en Missouri, Pat Metheny, poseedor de 20 Premios Grammy. "Somos seres que se asustan, mi negro, por los malos pensamientos. Cuando el soñar nos hace libres" es un verso que define el tema.

Santa Lucía. Todos pensaríamos que Miguel Ríos es el poseedor de esta canción, sin embargo fue escrita por el argentino Roque Narvaja. Como es característico en Buika, existe una modificación considerable en el tempo y en la melodía con respecto las interpretaciones conocidas, haciendo gala de la potencia vocal que ella posee.

Los solos. Una canción para las personas que nos quieren en la distancia, que nos regalan constantemente su preocupación y su cariño desde otro espacio. Una balada con percusiones suficientes y un apoyo coral.

Cómo era. También traída a este disco proveniente de En mi piel. Piano y voz nos llevan por la canción más bailable en pareja. Existe un cambio drástico de velocidad, ya que pareciere que continuaría como una balada de aquellas que la interprete se recuesta en el piano con micrófono en mano.

Throw it away. Composición de la pionera del jazz nacida en Chicago de 1930, Abbey Lincoln. La canción con mayor sabor a jazz, sin dejar los sonidos afro que acompañan todo el disco. Como cierre del disco es perfecta, nos muestra el poderío interpretativo de Buika y deja abierta la posibilidad infinita en su carrera musical.

Recomendable escuchar de principio a fin el material, ya que como universo melódico nos ofrece mejor disfrute. Como maridaje podría sugerir un delicioso vino de uva Mantonegro.




viernes, 20 de marzo de 2015

Música con sabor a Océano... Sandra Carrasco

Oceano, es una joyita de producción, de esas que llegan a nuestros oídos para no salir jamás y formar parte de los sonidos almacenados en nuestra poderosa mente. El productor Julio Martí es el encargado de reunir los elementos artísticos de este material discográfico. Con dos Premios Grammy bajo el brazo por la producción de Spain de Michel Camilo y Tomatito, y por El Arte del Sabor de Bebo Valdés, Patato y Cachao, nos ofrece este proyecto de fusión interesante de talentos.

Como alineación instrumental de equipo élite, aparece como director musical y piano, nada más y nada menos que el nieto de Bebo: Chuchito Valdés. La garantía de la dinastía Valdés, imprime certeza armónica en el destino arquitectónico de este disco. En el contrabajo encontramos a unos de los mejores interpretes españoles en su instrumento, Javier Colina ha hecho del jazz y el flamenco su bandera. Completan magistralmente el cuadro musical, Yuvisney Aguilar en las percusiones, Georvis Pico en la batería, Jerry González en la trompeta y Daniel "Melón" Jiménez en la guitarra.

Como guía del recorrido musical, la voz especial de Sandra Carrasco, de quién apenas conocemos dos materiales musicales, ambos por el distinguido sello británico Parlophone. Sandra posee un portento flamenco con elegancia jazzistica, lo que le coloca dentro de un selecto círculo de cantantes españolas con proyección asegurada.

El arte del disco corrió a cargo del reconocido plástico alemán Boris Hoppek. El fondo es el azul oceánico en su dualidad de tonalidades, presentando a un integrante de su banda musical de ficción The C'monsfundiéndose en un abrazo con la representación femenina en un desnudo blanquesino.

Con una fachada musical flamenca, pero con ventanas de tango, bossa, bolero y del caribe, sin perder su marquesina en jazz, Oceano nos presenta el siguiente orden de piezas, las cuáles desmenuzo por placer de difundir las vibraciones que el disco nos ofrece.


Resistiré. Tema que hiciera famoso el dueto pionero del pop - rock en España, Dúo Dinámico, sin embargo su autor es el periodista Carlos Toro Montoro. El intro de contrabajo nos avista el destino exquisito del disco entero. Esta versión en blues le cambia la cara al tema, dotando de elegancia a la profundidad de la letra.

Quizás. Del cubano Osvaldo Farrés, aporta el sonido caribeño al disco y nos obsequia un sólo de trompeta que se disfruta de principio a fin. La especialidad de la casa en el piano, que acompaña alegremente a la voz cargada de reclamo.

Cómo fue. Bolero del también cubano Ernesto Duarte. Destaca la adaptabilidad de la voz a un ritmo con mayor lentitud en su desarrollo, y la trompeta con el piano son los elegidos para el solo en este tema.

Por una cabeza. De esos tangos insertos en nuestra genética musical, compuesto por el gran Carlos Gardel haciendo referencia a una carrera de caballos. Con matices instrumentales caribeños pero con voz tanguera de remates flamencos.

Envidia. Composición del español Alfredo García Segura, un bolero nostálgico que resalta la voz de Sandra combinada con la trompeta. Al final de la canción, Dos gardenias hace su breve aparición.

Cualquiera. Bolero que hiciera famoso La Lupe, famosa cantante cubana. Una amenaza llena de pasión, en donde la voz consigue quizás, las notas más altas en el disco.

Madrecita. También del cubano Osvaldo Farrés, es una emotiva declaración de amor acompañada del flamenco en la voz y la mezcla armónica de percusiones y piano.


Mi Irra. Un fandango a dos voces que eriza la piel por un minuto y cuarenta y cinco segundos.

Piel Canela. Inmediatamente nos remonta a nuestro Germán Valdez "Tin Tan", compuesta por el puertorriqueño Bobby Capó. Entre el contrabajo y el piano, proporcionan una estabilidad musical a la interpretación.

Sabor a mi. Canción orgullosamente mexicana, Álvaro Carrillo su autor. Una cadenciosa versión, que tiene un solo de saxofón digno de reconocerse.

Que será. No podía faltar Chico Buarque en este disco, en portugés el título es O que será. Es complicado interpretar el compás de esta canción, sin embargo el contrabajo nos entrega un gran solo.

Huelva. Un fandango popular que dice tener tres corazones. Un minuto a capela, seis versos que nos muestran la potencia vocal de Sandra.

Yo vengo a ofrecer mi corazón. Tema emblemático y revolucionario del argentino Fito Páez, sobresalen las percusiones que llevan el tempo del tema. Una mezcla de dulzura y fortaleza en la voz.

Aunque no sea conmigo. Una hermosa introducción y acompañamiento de cuerdas para esta composición del regiomontano Santiago "Chago" Díaz, que hiciera famosa Celso Piña y Rubén Albarrán, vocalista del grupo Café Tacvba.

Eu sei que vou te amar. Del genio brasileño Caetano Veloso, con un impecable acompañamiento en la guitarra, es quizás el tema más redondo del disco, dejándonos con las ganas de escuchar más de él. "Julio estamos en la onda" le dice Sandra a su productor, una afirmación que comparto en toda la extensión de la frase.

Esta producción es ampliamente recomendable, una genial mezcla de talentos que brilla y quedará para los futuros años. Se antoja un vino Condado de Huelva para acompañar esta musicalización, lugar de nacimiento de Sandra Carrasco.

   
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jueves, 12 de marzo de 2015

Magical Girl... Suspenso y chantaje

Al saber el título de esta producción cinematográfica, me surgieron infinidad de dudas. El poderío en la trama y el armado minucioso del rompecabezas, les fueron disipando dulcemente. Es apenas el segundo largometraje del director español Carlos Vermut, quien además es historietista. Fue estrenada en octubre del 2014 y logró la nominación al Premio Goya como mejor escritor y director por Magical Girl.

El nudo de este filme, es perfectamente trazado en los primeros minutos en pantalla. El profesor Damian (José Sacristán) es intimidado en clase por una pequeña de doce años, quién no se separaría de su vida hasta el final. El personaje homónimo que interpreta la madrileña Bárbara Lennie, es enigmático y de auto flagelación constante, a pesar de estar casada con un psiquiatra, es visible su descontrol emocional. El Premio Goya a mejor actriz le fue entregado por este papel. A ella le conocemos de La piel que habito, dirigida por Pedro Almodovar. La historia de Bárbara se entrelaza de manera incidental con Luis (Luis Bermejo), un profesor en paro que sobrelleva el desempleo vendiendo libros por kilo para resistir la difícil situación económica que azota su país. Su único motor de vida es su hija Alicia (Lucía Pollán), quien es diagnosticada con Leucemia, y aunque la historia no lo revela, el sentimiento es de desahucio total.

La necesidad económica, el desequilibrio mental y el chantaje, llevan al desenlace poco previsible de esta trama inusual. Cuando uno escucha la palabra suspenso, imagina otro tipo de construcciones cinematográficas, Magic Girl tiene un estilo sui generis y nos adentra magistralmente en la inercia del relato.

La fotografía es detallada, nos muestra una España actual, dan ganas de beberse una caña en el bar de la esquina. El vestuario es cuidado y las locaciones mantienen una pulcritud envidiable. En general, se disfrutan los 127 minutos de expectativa ibérica.

No perderse un pequeño detalle, que visto desde el final del largometraje, es una llave para entender la obsesión del profesor: La última pieza del rompecabezas.



   
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miércoles, 11 de marzo de 2015

Música para alzar todas las voces en defensa de la mujer... Avanzadoras

Homenaje a mujeres que avanzan y hacen avanzar.

Cuando uno se entera de proyectos musicales de la calidad de Avanzadoras, entonces surge esa ilusión de volver a creer que la humanidad aún tiene fibras sensibles y emociones de hermandad. Este material discográfico es sólo la punta de un iceberg que lleva años recogiendo testimonios e investigaciones, y obteniendo apoyos y voluntades para alcanzar su fin establecido: lograr que las personas puedan salir de la pobreza por sí mismas y prosperar. El auspiciador de esta producción artística es Oxfam Intermón, una organización no gubernamental que apoya campañas a lo largo y ancho del planeta, para que las voces de las personas en situación de pobreza, puedan influir en las decisiones que les afectan en el ámbito local y global.

Después de un viaje a Colombia, Sole Gimenez (Ex vocalista del grupo Presuntos Implicados) comenzó a desarrollar en su mente, la invitación a mujeres talentosas para interpretar canciones de contenido poderoso: la defensa de los derechos de las mujeres. Imagino que la respuesta afirmativa de las conminadas, fue inmediata y apasionada, ya que los nombres que escuchamos en el material discográfico, nos dan una idea de involucramiento intenso en el proyecto.

El discolibro Avanzadoras, es una realidad multidisciplinaria que involucra ilustraciones de artistas plásticas femeninas, casos exitosos de mujeres que lograron salir adelante, narradas por periodistas y escritoras connotadas, y por supuesto, el apoyo melódico del que profundizaremos en este artículo. Merece la pena, por tratarse de asuntos tan relevantes y bellos como este, desmenuzar el disco entero.



1.- La carta. No hace falta tanto preámbulo, el inicio de este disco es claro y contundente. Violeta Parra es la autora de la canción, y su nombre hace retumbar la música latinoamericana reclamando un reconocimiento de la mujer en el panorama mundial. La voz de lamento flamenco que imprime Lamari de Chambao, encaja perfectamente con espíritu del tema.

2.- A mi niña. Lo que Violeta Parra es a la música, sin duda Gabriela Mistral es a la poesía. Hablamos de la única mujer iberoamericana laureada con el Premio Nobel de Literatura. Su poema Miedo es interpretado por la gran Ana Belén, quién es un personaje entrañable de la música en español, además de ser actriz y directora de cine.

3.- Un ramito de violetas. Es una composición de la cantautora Evangelina Sobredo, mejor conocida como Cecila. La interpretación corre a cargo de Estrella Morente, quién lleva el flamenco en la sangre, hija de un cantaor y de una bailaora. Si usted recuerda la película Volver de Pedro Almodovar, ella es la interprete del tango famoso de Carlos Gardel que da nombre al filme.

4.- A natural woman. Canción que nos regalara la gran potencia vocal de Aretha Franklin y compuesta por Carole King. Interpreta en este disco, la vocalista del grupo español Marlango, Leonor Watling y quién también es actriz de cine, por destacar alguna de sus actuaciones, Hable con ella de Almodovar. Acompaña vocalmente la cantautora y actriz Maika Makovski, de madre andaluza y padre macedonio, ambas entregan de manera exquisita la canción (You make me feel like) A natural woman.

5.- La mujer que mueve al mundo. Tema compuesto por Sole Gimenez para el disco Gente de Presuntos Implicados en el 2001; es intepretado por Neus Ferri (participante de "La Voz" en España), Sophie Maricq (Directora de Comunicación de la Berklee College of Music en Valencia) y Rosalía León (participante de "La Academia" en México).

6.- Que me parta un rayo. La genial Ruiseñora hace su aparición en este disco con una canción de su autoría. Hablamos de Andrea Echeverri (vocalista del grupo Aterciopelados) que nos ofrece una pieza ad hoc con la iniciativa del disco.

7.- Only a woman's heart. Balada compuesta por Eleanor McEvoy, cantautora irlandesa quien posee récords de ventas en su país, y es símbolo de mujer de éxito en su natal Dublín. Comparte el crédito en la interpretación con la española Rosa León, quien aparte de ser cantante, dedica sus esfuerzos sociales a la política, fue concejala de Madrid en 2004 y actualmente es Directora del Instituto Cervantes en Dublín.

8.- Con nombres de mujer. La líder del proyecto musical, nos obsequia esta composición inédita y expresamente realizado para este disco. Sole Gimenez nos tiene acostumbrados  a su dulce y elegante voz en producciones musicales de calidad probada, sin ser ésta, la excepción.

9.- Diz que é Fado. No podía faltar la actriz, directora de cine y cantante portuguesa Maria de Medeiros, con tres discos y más de 30 películas en su haber, es sin duda, una de las figuras femeninas de mayor impacto en su país. Para completar la canción, una cantante brasileña qué le dio la vuelta al mundo como integrante de la banda de Antônio Carlos Jobim, hablamos de Paula Morelenbaum y su cadenciosa voz.

10.- Desdeñosa. Un vals peruano compuesto por Miguel Paz, sin embargo, es recordada por la interpretación de la cantante mexico-americana Lhasa de Sela, quien falleciera a causa del cáncer de mama a los 38 años. Elsa Rovayo mejor conocida como La Shica, interpreta esta pieza con la nostalgia y sentimiento requeridas, un feeling que mezcla el flamenco con el blues de manera especial.

11.- Saquen mi cuerpo de la guerra. La multifacética directora de orquesta y soprano Pilar Jurado, cierra el telón con un broche tan dorado como el oro, su composición es precisa y con un trasfondo poderoso. El pasado 22 de Agosto de 2014, mediante el decreto 1480, el Presidente de Colombia Juan Manuel Santos Calderón, declara el 25 de mayo como el Día Nacional por la Dignidad de las Mujeres víctimas de violencia sexual en el marco del conflicto armado interno, y ordena a todas las instituciones de gobierno a celebrar actos conmemorativos y dar difusión a este tema. Todo esto, en reconocimiento a la labor y lucha de la periodista Jineth Bedoya Lima, quien en el año 2000 fue secuestrada, violada y torturada por grupos paramilitares. Su lucha se convirtió en activismo en favor de las mujeres víctimas de violencia, con el título "Saquen mi cuerpo de la guerra".

Sin duda es un disco emotivo y trascendente, una joya que mezcla belleza musical con coherencia activista. Un grito desesperado y necesario, acompañado y sustentado en el poderío del arte como herramienta de evolución humana. Imprescindible, portentoso y abrazable, así resulta Avanzadoras.





   
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lunes, 9 de marzo de 2015

Música de calle parisina... Zaz

Existen productos musicales mediáticos que inundan el horizonte artístico sin piedad, que nos abruman y pueblan las estaciones de radio comerciales, reservándose el descanso a quienes no escuchamos su oferta de pobre calidad.

En este sector de la música, aún es posible llevarse sorpresas agradables. Debo confesar que la lejanía francesa proporcionó una burbuja protectora a mi alrededor. Mi encuentro con Zaz fue gracias a un consejo musical de una persona a quién no puedo negar mis oídos a la sugerencia, previa advertencia de no husmear en la farándula parisina, so pena de arrepentirme por el resultado. Con este contexto, abordé en spotify la aventura del material discográfico titulado Paris. Es la tercera producción en su haber, y vio la luz en Noviembre de 2014.

Después de escucharle por primera vez, agradecí la combinación de instrumentos y la voz nasal y pastosa de Isabelle Geffroy, mejor conocida en las calles de Paris como Zaz. Posterior a ello comencé la investigación correspondiente, dándome cuenta que estaba ante el hallazgo de un hilo demasiado oscuro y con muchas reproducciones en YouTube, donde abundan los videos de sus conciertos informales petit comité por la urbe capitalina de Francia.

Inspiración artística, es lo que Paris ha proporcionado constantemente a la humanidad. Su cultura, su ambiente y su gente, han sido objeto de memorables filmes, novelas y canciones a lo largo de la historia. El disco Paris, contiene 13 temas y es un homenaje melómano al estilo musical parisino que tanto seduce auditivamente. Mención especial al gran ausente en el disco, pues sólo dos canciones se escuchan acompañadas del acordeón; situación muy peculiar, ya que la música francesa tiene en este instrumento, su principal iconografía armónica.

Tres colaboraciones encontramos en este material; la primera y la más notable, el gran Charles Aznavour interpretando la canción J'aime Paris au mios de mai, al estilo de big band. También participa Nikki Yanofsky en el tema I love Paris / J'aime Paris, y como dato curioso, es la única canción en la que podemos escuchar un poco de idioma anglosajón. La última colaboración corre a cargo del guitarrista de jazz Thomas Dutronc, hijo de la cantante Françoise Hardy, con la canción La romance de Paris.

Canciones entrañables como la que abre el disco, Paris sera toujours Paris que hiciera famosa el cantante y actor Maurice Chevalier en 1933. De igual manera aparece Sous le ciel de Paris que nos regalara el ícono femenino francés Edith Piaf. El disco contiene una versión totalmente vocal de A Paris que interpretara en los años 50 el cantante Yves MontandLa complainte de la butte fue una canción compuesta por Jean Renoir para el éxito taquillero de 1954 French Cancan.

La parisienne de la pianista y comediante francesa Marie-Paule Belle, es mi favorita de este material discográfico. Zaz le imprime su sello personal, despreocupado y tierno, logrando que se escuche fresca y renovada la canción de 1976.

Este disco es rico en instrumentación, con vientos, cuerdas y percusiones que acompañan a la voz pegajosa y juvenil, en temas que nos evocan correctamente a la Ville lumièreParis. Si no me lo cree, basta con escucharlo una vez y seguramente sentirá deseos de un buen Champagne en su mano.

 Zaz – La parisienne
Zaz – Champs Elysées
Zaz – I Love Paris / J'aime Paris - en duo avec Nikki Yanofsky

   
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miércoles, 4 de marzo de 2015

Lo que hay entre nosotros... Unter der haut

Dentro de las películas nominadas al Premio Maguey en el marco de la trigésima edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, encontramos este filme de nacionalidad Suiza. Fue estrenado en el año 2015 y significa para Claudia Lorenz, el debut como directora de largometrajes, ya que en su haber cuenta con un documental y tres cortos.

What's between us es la traducción al inglés, y existe poca información en internet sobre el rodaje. La fotografía corre a cargo de Jutta Traenkleen, y es a mi juicio, el elemento que logra equilibrar la ausencia de calidez en la trama. En un fragmento pequeño nos muestra algunos paisajes de los alpes, y posee movimientos de cámara interesantes que nos amplían los espacios reducidos de las locaciones. La primera toma nos avista el desarrollo geográfico de la película, ya que comienza en el pórtico de una vivienda, y nos transporta lentamente al interior de la misma, utilizando un travelling en retroceso a través de la puerta principal.

La musicalización es nula, lo que hace pesado el tránsito de los personajes en escena. El ritmo es lento y algunas de las secuencias son totalmente innecesarias en la trama, esto provoca un desarrollo entrecortado del guión. El conflicto es presentado con mucha agilidad, Frank (Dominique Jann) descubre, después de 18 años de matrimonio, que ya no puede esconder su homosexualidad ante Annie (Ursina Lardi), su esposa. Los tres hijos de la pareja juegan un papel decisivo en la resolución del conflicto, sin embargo, intervienen matices diversos en sus decisiones, haciendo interesante la interacción entre los protagónicos.

Unter der haut no es distinta ni lejana a otros filmes, la peculiaridad quizás, radica en la perspectiva del sujeto pasivo, ya que la protagonista del drama, en todas las escenas, es la esposa. Intervienen al rededor de ella los demás personajes, pero es la angustia y la actitud psicológica de la consorte, la que nos adentra en el nudo y su desenlace. El final nos obsequia un descanso con moraleja, cerrando a toma de manera inteligente, con un movimiento de cámara como al inicio del rodaje, agregando con cautela, un perfume distinto en el ambiente.

En mi opinión, el espectador afronta el ritmo del largometraje sin algún apoyo dinámico. A pesar de durar tan sólo 94 minutos, da la impresión de haber sido mayor su transcurso. El guión mantiene la expectativa, y su objetivo es bien logrado: una mirada distinta a problemáticas universales.


   
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lunes, 2 de marzo de 2015

En la gama de los grises... Interesante perspectiva chilena

Dentro de la selección de películas para el Premio Maguey del Festival Internacional de Cine en Guadalajara se encuentra el primer largometraje del director chileno Claudio Marcone que fue presentado en 2014. Es interesante darse cuenta que la experiencia del director, es mayor en agencia de publicidad que en la cinematografía.

Difícil imaginar que una mañana, después de lograr una familia estable y un crecimiento profesional reconocido, vuelvan las dudas íntimas de nuestra preferencia sexual. Bruno, arquitecto joven a quién le encomiendan un proyecto de construcción en la ciudad de Santiago de Nueva Extremadura,  conoce a Fer, un guía turístico que tiene definida su homosexualidad y quién es el encargado de ayudar en la decisión del boceto encomendado. El contacto diario les llevará a enfrentar decisiones de vida.

La fotografía de Andrés Jordán es una de las cualidades de esta película, ya que nos lleva por paisajes santiaguinos en bicicleta, además de ofrecernos un panorama urbano muy característico de la ciudad. La intensidad en las escenas, rompe un poco con el ritmo semi lento del largometraje. El guión tiene momentos muy especiales de tensión, que se resuelven de una manera apacible y pronta, sin sufrimientos innecesarios en el sistema nervioso del espectador. En ningún momento nos ofrece un desenlace previsible, tampoco exagera en la exposición de la temática de manera burda.

Me parece que hay un equilibrio fuerte entre la trama y el desarrollo de los personajes, al final termina adentrándonos en la situación que vive el protagónico a lo largo de la historia. Frases poderosas que quedan en nuestra mente, "Todos tenemos que ser felices" y "Si vas a cortar con tu pasado, vas a tener que darle sentido a tu vida, porque si no, eternamente vas a estar fragmentado".

Las actuaciones de Francisco Celhay (Bruno) y Emilio Edwards (Fer), son armónicas en todo momento, nos hacen vibrar en instantes y recordar emociones juveniles en plena etapa adulta. Brilla en el momento de desenlace, la mexicana Carla Morrison con el tema "Disfruto".

En la gama de los grises nos obsequia 98 minutos altamente recomendables, y se agradece el recorrido fotográfico de una realidad muy cercana a nuestro horizonte latinoamericano.

   
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Música de Ella... y también de Él: She & Him

Pocas son las historias respetables de actrices que se incorporan con seriedad al mundo de la música. Apenas algunos ejemplos de interpretes que deciden probar en la pantalla grande o chica, pero a la inversa, hemos tenido cantidad de experiencias poco gratas.

She & Him es dueto de música indie folk, que a mi gusto tiene matices muy agradables de jazz y de rock and roll. Classics es su quinto álbum de estudio y fue lanzado en Octubre de 2014. Aunque sus comienzos se dieron con algunas colaboraciones grabadas y enviadas por correo electrónico, podemos decir que no se trata de un proyecto aislado, sino de una realidad discográfica.

Este dúo es integrado por la actriz Zooey Deschanel, quien se encarga del piano, ukelele y la voz. Sus actuaciones en la película (500) Days of Summer y en la serie televisiva New Girl, le han proporcionado fama mediática. Sin embargo, su proyecto musical no es para nada un producto masivo, incluso podría opinar a su favor, que me parece mejor cantante que actriz.

Matthew Stephen Ward, conocido artísticamente como M. Ward, es quien interpreta la guitarra y tiene a su cargo la producción de She & Him. En algunas canciones aporta su voz como trompeta chirriante, y en la pieza She (Charles Aznavour) aparece como solista. Su guitarra mezcla ritmos de blues, country y folk.

Se conocieron en el rodaje de una película The Go-Getter en el año 2007, grabaron una canción para ser añadida en los créditos del filme, a petición del director Martin Hynes. En 2008 She & Him lanzaría su primer disco llamado Volumen One.

Classics contiene 13 tracks y fue distribuido por Columbia Records. Destacan temas tan tradicionales como Unchained Melody en la que encontramos sorpresivamente la colaboración de The Chapin Sisters. El disco abre a toma con la histórica Stars fell on Alabama, canción de 1934 que hicieran famosa los grandes del jazz Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. La pieza Oh no, not my baby de 1964 es interpretada al estilo The Supremes, la voz de Deschanel suena interesante en esta interpretación.

De igual manera se incluye Time after time de 1947, canción que el gran Sinatra hiciera famosa en la película It happened in Brooklyn. Podemos escuchar en este disco Teach me tonight de 1953, también interpretada en aquellos años por Frank Sinatra, y de igual manera involucra como coautor a Sammy Cahn. Definitivamente, las dos canciones que podría fijar como favoritas de este material son We'll meet again, que en su momento grabara el enigmático Johnny Cash; y la simpática Would you like to take a walk? a dos voces que nos regalaron en el pasado Fitzgerald & Armstrong.

Una grata sorpresa me llevé con este disco, ya que por experiencia no me dejo guiar por unos ojos grandes y azules como los de Deschanel, pero en esta ocasión debo admitir que musicalmente... caí. Uno puede olvidar la fama masiva de la interprete y disfrutar con un bourbon en mano, la excelente selección de temas y la acertada combinación de talentos.


   
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